Un vaisseau spatial transportant une quarantaine de civils est percuté par une météorite et se crashe sur une planète inconnue. Les membres de l’équipage périssent dans l’accident, à l’exception de Fry, une jeune pilote, et de quelques survivants. Parmi eux, un imam et ses disciples, un antiquaire, une géologue, une adolescente, le chasseur de Johns et Riddick, un criminel endurci en cours de transfert vers sa prison. Alors que le petit groupe tente de s’organiser sous un climat aride de jour perpétuel dominé par trois soleils, ils découvrent qu’une éclipse va bientôt frapper la planète, permettant à de monstrueuses créatures nocturnes de se mettre en chasse…

Note de l’Auteur

8 out of 10 stars

• Date de sortie : 19 juillet 2000
• Réalisé par David Twohy
• Film Américain
• Avec Vin Diesel, Radha Mitchell, Cole Hauser, Keuth David, Rhiana Griffith, Lewis Fitz-Gerald, Claudia Black
• Durée : 1h49min
• Titre original : Pitch Black
• Bande-Annonce :

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Qu’on le veuille ou non, on se souvient tous des fameuses Chroniques de Riddick. C’était de qui, déjà ? On a oublié. Ca parlait de quoi ? Bof, de SF. C’était un bon film ? No comment. Par contre, vous pouvez demander à n’importe qui le nom de l’acteur principal, et vous aurez une réponse à coup sûr. 2004, Les Chroniques de Riddick : un petit pas pour le cinéma, un pas de géant pour Vin Diesel. Pour la première fois, le grand public le découvrait avec le look qui lui collerait à la peau pour la décennie à venir : imberbe, le crâne rasé, les muscles saillants. Il a l’air d’être incapable de sourire, sa voix est un grondement guttural sorti d’un puits sans fond, et même s’il a parfois une tête d’abruti, on a plutôt tendance à hésiter avant d’aller le lui dire.
Maintenant, scoop : ce n’était pas exactement la première fois qu’on avait le plaisir de pouvoir admirer Vin Diesel en brute épaisse avec des lunettes de plongée. On l’avait déjà vu en 2000 dans Pitch Black, petit film de SF-horreur réalisé par un spécialiste des séries B, David Twohy. Même réalisateur et même acteur principal que pour les Chroniques, donc, mais un film radicalement différent, à commencer par le fait que lui vaut la peine d’être vu.

A tout choisir, il est peut-être même plus judicieux de comparer Pitch Black à la franchise Alien qu’à son successeur. Outre le fait qu’ils appartiennent au même genre cinématographique, ils ont également des bases communes dans leur structure : un groupe de personnes livrées à elles-mêmes doit sauver sa peau au milieu d’un environnement plus ou moins hostile infesté de bestioles extra-terrestres avides de chair fraîche. Comme dans Aliens, les prédateurs sont innombrables et aucun endroit ne semble être sûr, et comme dans Alien Resurrection, le seul humain qui reste serein prouve à chaque geste et à chaque parole qu’il n’est pas si humain que ça… même si la comparaison entre Ripley et Riddick s’arrête là. Elle se tient, néanmoins, et peut être étoffée par une précision toute simple : Twohy a pendant un moment été attaché à l’écriture du script de Alien 3. Son scénario a fini à la poubelle, mais il faut croire que ces histoires de monstres extra-terrestres ultra-agressifs et de planètes inhospitalières lui sont restées en tête…
Pitch Black suit donc les mésaventures d’une bande de rescapés d’un crash spatial échoués sur une planète qui refuse obstinément de leur souhaiter la bienvenue. Alors que rien d’autre que leur destination ne les rassemblait, ils sont forcés de coopérer pour réussir à repartir avant de servir de repas aux formes de vie carnivores qui habitent le sous-sol en attendant que la nuit tombe. Forcément, la nuit tombera très vite, comme pour nous rappeler qu’on est dans un film d’horreur. Pour pimenter un peu ce menu déjà bien épicé, un criminel en cavale se trouve parmi eux et pourrait bien leur trancher la gorge à la première occasion venue. Une storyline assez banale donc, mais, heureusement, en plus de la présence imposante de Vin Diesel, le film est sauvé par la réalisation de Twohy, qui fait preuve d’assez de personnalité visuelle pour donner une identité propre à son film et l’empêcher de se noyer dans la masse bourbeuse de ses semblables. Quitte à devoir jouer serré (2 mois de tournage, 20 millions de budget), il a pris le parti de jouer sur tous les effets (techniques ou scénaristiques) qui ne coûtent rien mais peuvent néanmoins contribuer à la création d’une ambiance particulière ; le genre de choses qu’il désapprendra 4 ans plus tard, l’esprit de créativité cramé par les montagnes d’argent mises à sa disposition.
De ce point de vue là, c’est toute la première partie du film qui construit le personnage de Riddick, en posant des bases que même une superproduction de merde aura du mal à détruire. Vin Diesel ne lâche pas un seul mot, on ne voit jamais ses yeux, il se déplace sans bruit, est filmé avec des gros plans excessifs, en flou artistique ; il est une ombre qui se déplace dans le fond du décor, une silhouette liquide qui glisse sous le soleil. Il est plus un animal qu’un être humain, mais possède le meilleur des deux mondes : il possède le sang-froid, les capacités physiques et l’acuité d’une bête sauvage, mais l’esprit calculateur et l’intelligence des plus dangereux psychopathes humains.

Alors qu’il est traqué par les survivants du crash, il est clair que c’est lui le seul et unique chasseur sur le terrain. Cette caractérisation du personnage culmine lorsque, même enchaîné, il conserve toute sa superbe et son arrogance, et apparaît plus dérangeant que jamais lorsqu’il explique que le goût métallique du sang disparaît si on le coupe avec de l’alcool de poire. Et créer un personnage qui continue à avoir l’air d’une menace implacable même lorsqu’il est attaché est quand même un très joli coup de la part du réalisateur, quoi qu’on puisse penser du film dans son intégralité.
Pour garder son spectateur sous tension et donner de la densité à un décor principalement fait de vide (le film a été tourné dans un désert australien), Twohy fait un usage subtil des filtres de couleur (jaune et bleu, principalement), et surtout de son éclairage : la lumière est crue, saturée, elle s’étale en taches blanches sur les joues brûlées des personnages comme des trous faits à même la pellicule, elle attaque nos yeux et nous rappelle constamment qu’ici tout, absolument tout, est un ennemi potentiel, y compris le soleil.
Paradoxal, puisque ce n’est que lorsqu’il disparaîtra que la plus grande menace du film pourra enfin s’imposer au premier plan, dans la dernière partie du film. Celle-ci est de loin la moins intéressante, puisqu’elle se constitue uniquement d’un sprint effréné vers le salut, mais, arrivé à ce point-là, Twohy a déjà acquis son spectateur à sa cause, et les passages d’actions se regardent tout de même plutôt bien ; même la tentative finale de ré-humanisation de Riddick, bien qu’elle paraisse légèrement déplacée, passe mieux que ce à quoi on aurait pu s’attendre.
Après avoir passé pratiquement deux heures à mater Vin Diesel démontrer sans effort qu’il était un des poids-lourds testostéronés sur lesquels il faudrait désormais compter, on frétillait forcément à l’avance en attendant une suite, qu’on aurait pu espérer être du même calibre. Mais non. La machine à fric est passée par là, et les Chroniques de Riddick ont tout gâché ; le seul avantage qu’on peut leur trouver étant d’avoir offert un peu plus de visibilité à Pitch Black. A ce qu’il se dit, un troisième volet et en préparation, mais pour nous ça sera juste l’occasion de faire une nouvelle fois le deuil de Richard B. Riddick, un très grand personnage qui aurait pu être culte s’il n’avait pas été buté par sa propre franchise.
R.I.P.

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Suite à l’attaque de Pearl Harbor, le 7 décembre 1941, de jeunes américains pleins d’espoirs s’engagent dans l’armée pour défendre leur pays face à l’invasion japonaise. Ces soldats sont envoyés dans les îles du Pacifique où l’ennemi gagne du terrain. Ils n’ont aucune idée de l’enfer qui les attend. Les désillusions se mêlent vite à la peur, et la mort devient leur lot quotidien. Ce qu’ils vont vivre les changera à jamais. Suivez le parcours de trois marines américains – Robert Leckie, John Basilone et Eugene Sledge – au lendemain de l’attaque de Pearl Harbor jusqu’au retour à la maison des soldats après la capitulation japonaise.

Note de l’Auteur

10 out of 10 stars

• Saison : 1
• Nombre d’épisodes : 10
• Format : 52 minutes
• Date de 1ère diffusion en France : 6 septembre 2010
• Création : Steven Spielberg, Tom Hanks
• Avec James Badge Dale, Joseph Mazzello, Jon Seda
• Bande-annonce :

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Neuf années après Frères D’Armes, Tom Hanks et Steven Spielberg collaborent à nouveau ensemble pour donner naissance à The Pacific. Après avoir suivi la Easy Compagny sur les fronts opposants américains et nazis, les deux acolytes nous entrainent cette fois sur les traces des marines, troupes d’élites que l’on envoie au charbon avant le reste de l’armée pour dégager le périmètre et permettre aux autres de passer sans trop d’encombres. Le moins que l’on puisse dire c’est que la série ne fait pas dans la dentelle et n’a rien à envier à un Il Faut Sauver Le Soldat Ryan, mais alors rien du tout.

Mini-série de 10 épisodes, The Pacific nous entraine dans le quotidien de plusieurs hommes et femmes vivant de manières très différentes ce conflit. Chaque épisode traite d’un sujet bien spécifique comme le traumatisme psychologique indélébile, la réinsertion sociale, la perte d’un être cher, le magnétisme des foules envers ces héros de guerre, etc. Les créateurs ont réussi avec finesse à mettre sous le feu des projecteurs des notions aussi difficiles à exploiter sans tomber dans les stéréotypes gras et miséreux que le genre peut engendrer. Mais bon, connaissant les deux lascars aux manettes, on ne pouvait que leur faire confiance. Grand bien nous en pris. Si l’on ajoute en plus des acteurs éblouissants de crédibilité qui ont certainement une belle carrière s’annonçant pour eux, The Pacific n’a pas fini de nous épater.

Mais qui dit Spielberg filmant la guerre dit grand spectacle. Et là, une fois encore, la série ne déçoit pas et nous en met plein les mirettes. Les scènes d’affrontements sont dignes du débarquement du Soldat Ryan. Chaque scène coupera le souffle d’un spectateur venu voir du grand spectacle. Les cinquante minutes de l’épisode s’évapore en un claquement de doigt et l’on n’a qu’une seule envie, voir la suite au plus vite. Une véritable magie opère sur chaque champ de bataille et la série se paie même le luxe de coiffer sur le poteau Clint Eastwood et ses Mémoires De Nos Pères traitant du même sujet et des mêmes batailles.

Au final, The Pacific est une mini-série d’excellente qualité. Bien rythmée, ingénieuse et prenant aux tripes, elle nous entraine avec une facilité déconcertante dans les entrailles de la guerre du Pacifique. On s’y croirait presque.

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Après avoir échappé de peu à la mort, Lisbeth Salander se retrouve immobilisée à l’hôpital, dans l’incapacité d’agir… De nombreux chefs d’accusation pèsent toujours sur elle et la font placer en isolement par la police, dans une chambre jouxtant celle de son père, qui la hait et qui n’est guère en meilleur état qu’elle… A l’extérieur, Mikael Blomkvist continue de mener l’enquête sans pouvoir avoir le moindre contact avec Lisbeth. Il ne tarde pas à mettre à jour certaines activités souterraines menées par les services secrets. Ce qui pourrait déstabiliser les hautes sphères de l’État mais surtout blanchir Lisbeth une bonne fois pour toutes.

Note de l’Auteur

7 out of 10 stars

• Date de sortie : 28 juillet 2010
• Réalisé par Daniel Alfredson
• Film suédois
• Avec Michael Nyqvist, Noomi Rapace, Lena Endre
• Durée : 2h 27
• Bande-Annonce :

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Troisième et dernier volet des aventures de notre chère Lisbeth qui est au plus mal (rappelons qu’à la fin de Millénium 2, la pauvre morfle sévère !), cette Reine Dans Le Palais Des Courants D’Air met en exergue la convalescence de Lisbeth et le procès durant lequel elle sera graciée ou non de ses actes.

Si le rythme pourra paraître très lent à certains et donc gâcher quelque peu la finalité de cette trilogie (2h30 qui paraitront une éternité si l’on n’est pas emballé par l’ensemble), ce troisième volet a le mérite de rehausser le niveau laissé bien bas avec un second volet raté sur de nombreux points. Ici pas de désagréables impressions d’être devant une série télévisée, ni de mise en scène saccadée, les séquences s’imbriquent très bien entre elles et dévoilent un fil conducteur maitrisé de part en part. L’ambiance est finement travaillée et le procès final, bien qu’un peu trop téléphoné, tient toutes ses promesses et nous dévoile une Lisbeth punk percée jusqu’au nombril et ornée d’une très belle crête. Sacré personnage !

En parlant de personnages, ceux-ci sont une nouvelle fois bien exploités, nous réservent quelques surprises et la relation entre Lisbeth et Mikael, pleine de sous-entendus et de regards furtifs, a le mérite de ne tomber dans aucuns stéréotypes qui auraient été malvenus. Noomi Rapace, bien que moins présente que dans les précédents volets, donne une convenance à cette hackeuse écorchée vive en pleine crise contre la figure paternaliste. Elle est LA révélation du film et l’on ne voit pas quelle autre actrice, aussi douée soit-elle, pourrait la remplacer. Tout en elle respire Lisbeth, de son visage androgyne, à son magnétisme naturel en passant par son physique, elle fait sensation à chacune de ses apparitions, écrasant sans le vouloir ses partenaires qui pour le coup ont bien du mal à se démarquer malgré une interprétation honorable pour chacun.

Au final, plus posé et moins rythmé que ses ainés, ce troisième et dernier volet de Millénium voit la conclusion de cette intrigue aboutir comme elle a commencé, avec sagesse. Pas besoin de tout évoquer, de tout dire pour exploiter au maximum le filon du thriller policier, Daniel Alfredson nous prouve qu’avec un peu d’huile de coude au niveau de la mise en scène et des acteurs charismatiques, de longs silences valent mieux que de grand discours. Désormais, David Fincher a la lourde responsabilité de nous proposer une adaptation aussi bien mais suffisamment différente pour ne pas être qu’un simple copier-coller. Faisons-lui confiance pour y parvenir de la plus belle des manières.

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Un groupe de jeunes adolescents britanniques vivent à Bristol et font leurs premières expériences du monde adulte, en se déchirant autour de sujets comme la religion, la sexualité, la drogue, les déséquilibres alimentaires…

Note de l’Auteur

8 out of 10 stars

• Saison : 3
• Nombre d’épisodes : 10 épisodes
• Format : 45 minutes
• Date de 1ère diffusion en France : 06 décembre 2007
• Création : Jamie Brittain, Bryan Elsley
• Avec Kaya Scodelario, Lisa Backwell, Jack O’Connell (II)
• Bande-annonce :

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Nouvelle saison, nouvelles têtes, nouveau pari pour nos voisins anglais. Skins troisième saison prend une nouvelle tournure en recommençant à zéro. Les anciens des saisons précédentes ne sont plus, bienvenus à leurs successeurs ! Pari extrêmement risqué puisqu’il s’agit d’orienter Skins vers un nouveau départ, en ne faisant pas un vulgaire réchauffé indigeste tout en gardant le charme initial de la série. Verdict après visionnage des 10 épisodes composant cette troisième saison : pari amplement réussi !

Toujours aussi efficace au niveau de la mise en scène et du rendu de l’atmosphère adolescente britannique (mention spéciale pour une bande originale une nouvelle fois de grande qualité), Skins fait une nouvelle fois des étincelles. Chaque épisode garde son principe originel en étant centré sur un personnage en particulier et il faut bien avouer que cette nouvelle génération est toute aussi délirante et charismatique que la précédente. Dans l’ensemble, chacun reste un stéréotype à lui seul mais le jeu d’acteur est suffisamment crédible pour véhiculer des émotions tout au long des épisodes. La série jongle avec habileté entre les genres (comédie, drame, etc) pour mettre sous le feu des projecteurs des problèmes de société tels que la solitude, l’autisme, l’amour, la toxicomanie, la figure paternelle et l’homosexualité. Chacun de ces thèmes est traité avec habileté sans pour autant tomber dans le psychodramatique à outrance.

Au final, cette troisième saison nous prouve que les créateurs en ont sous le chapeau et qu’ils n’ont pas épuisé leurs dernières cartouches. Drôle, déjantée et décalée, cette série nous offre un divertissement en or pour peu que l’on aime l’ambiance underground et le langage fleuri so-british.

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A l’occasion de la sortie du film Ces Amours-Là le 15 septembre, Le Blog du Cinéma – avec le soutien de Studio 37 et Rezo Films – vous propose de participer à un concours qui vous permettra de remporter des places de cinéma…

A savoir 30 places pour 1 personne pour aller voir Ces Amours-Là de Claude Lelouch avec Audrey Dana, Laurent Couson et Raphaël.

Le pitch : Ilva, qui toute sa vie durant a placé l’amour au-dessus de tout, remonte le fil du temps en parcourant l’itinéraire de ses hommes et du monde.
Son coeur lui rejoue la symphonie de l’enfance, de la grande guerre, des trains fantômes, de la libération, de son procès et de soldats qu’elle a bien connus…
Ilva incarne tous les courages et les contradictions d’une héroïne moderne.

Plus d’informations sur rezofilms.com

Voici la bande-annonce du film :

Pour tenter de gagner l’un de ces lots, répondez correctement à ces 2 questions.

RÈGLEMENT DU CONCOURS

Un clic sur le bouton « Envoyer » en bas de formulaire constitue l’émission d’un bulletin de participation.

Une seule participation par personne, par E-mail et par foyer est autorisée. En cas contraire, flagrant ou douteux, (participations multiples, bulletins à coordonnées identiques, erronées ou incomplètes), la Rédaction du Blog Du Cinéma ne tiendra compte d’aucune réclamation et aucun lot ne pourra être attribué à l’émetteur du bulletin.

Le concours prendra fin le 15 septembre 2010 à 23:59. Les réponses reçues après cette date limite ne seront pas valides et ne seront pas comptées dans le nombre total de participations.

Les gagnants seront contactés par E-mail pour confirmer leur gain et leurs coordonnées à la fin du jeu-concours.

En cas de non réponse passé un délai de 10 jours, ou d’e-mail retourné en erreur, le lot sera attribué à un(e) autre finaliste.

Si vous n’êtes pas sûr d’être joignable dans la période de 10 jours qui suivent la fin du concours, vous êtes priés d’en avertir la Rédaction.
La participation à ce jeu implique que vous autorisiez Le Blog Du Cinéma à utiliser les informations vous concernant dans ce concours. Le Blog Du Cinéma s’engage à ne pas les transmettre à d’autres personnes ou sociétés.
Le Blog Du Cinéma n’est pas responsable des envois postaux des lots et de son acheminement.

Vous disposez d’un droit d’accès, de modification, de rectification et de suppression des données qui vous concernent (art.34 de la loi « Informatique et Libertés »). Pour l’exercer, adressez-vous à la Rédaction.

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Après trente ans sans se voir, cinq copains d’enfance se retrouvent pour partager un week-end avec femmes et enfants. Leurs relations reprennent là où elles en étaient restées trois décennies plus tôt, et ils vont vite découvrir que vieillir ne signifie pas forcément grandir…

Note de l’Auteur

4 out of 10 stars

• Date de sortie : 8 septembre 2010
• Réalisé par Dennis Dugan
• Film américain
• Avec Adam Sandler, Kevin James, Salma Hayek
• Durée : 1h 42
• Bande-Annonce :

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Ah l’amitié ! Sensation douce et pétillante que celle d’appartenance à un groupe soudé depuis sa plus tendre enfance. Au sein de ce cercle qui dépasse de loin les limites du cercle familial, chaque membre se prend à rêver de grandeur, d’invincibilité, de toute puissance. Maître du monde, roi de l’univers, on reconstruit le monde le temps d’une soirée autour d’un feu chaleureux où des chamallow n’attendent que notre bouche pour connaître enfin le salut éternel. On se chamaille, on se déteste mais avant tout on s’aime comme les sales gosses que nous étions jadis. C’est ça l’amitié. Un lien indestructible qui prend aux tripes et que seuls ses membres peuvent jouir des bienfaits. Toute autre personne n’appartenant pas à cette secte ne pourra qu’effleurer du doigt cette franche camaraderie. C’est bien le problème avec Copains Pour Toujours : on ne fait pas partie de ce cercle et l’on est condamné à ne rester que de pauvres spectateurs à deux doigts de l’exclusion définitive.

Le problème avec ce film c’est qu’il s’agit d’un film réalisé par une bande de potes ayant visiblement kiffé le tournage mais ayant oublié le spectateur en cour de route. A contrario d’un Ben Stiller qui arrive avec une facilité déconcertante à nous faire entrer dans son univers avec sa bande de fanfarons, Adam Sandler s’est enfermé dans sa bulle et nous en a jamais ouvert les portes. Le charme de ce genre de productions résidant dans cet effet miroir nous renvoyant à des périodes dorées de notre existence, l’effet final de Copains Pour Toujours est plus que décevant. Cela est d’autant plus dommage que le casting regroupe les cadors du genre et que certaines séquences (notamment celles se déroulant au parc aquatique) valent leur pesant en cacahuètes niveau comédie.

Copains Pour Toujours se résumera en un film d’une loufoquerie imperturbable non communicative. Dommage.

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Kassie est une new-yorkaise célibataire, intelligente et dynamique. En dépit des avertissements de son meilleur ami, le sympathique mais légèrement névrosé Wally, elle décide qu’il est grand temps d’avoir un enfant – et cela même si aucun père n’est présent à l’horizon car elle a déjà sélectionné le donneur idéal : le charmant Roland. Alors que Kassie organise une grande soirée pour fêter sa future insémination, un Wally complètement ivre, va procéder à un échange de dernière minute qui va mettre à mal l’organisation parfaite de la future maman. Le lendemain, alors qu’il est victime d’une gueule de bois carabinée, Wally a tout oublié. Sept ans plus tard, lorsque Kassie revient à New York avec son fils, Wally va réaliser qu’il y a une troublante ressemblance entre le petit garçon et lui…

Note de l’Auteur

2 out of 10 stars

• Date de sortie : 25 août 2010
• Réalisé par Josh Gordon, Will Speck
• Film américain
• Avec Jason Bateman, Jennifer Aniston, Jeff Goldblum
• Durée : 1h 42
• Bande-Annonce :

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La première chose qui nous vient à l’esprit à la fin de la projection de cette Famille Très Moderne c’est : Mais pourquoi ? Quelle folie malveillante nous a poussé à entrer dans cette salle obscure plutôt qu’une autre ? Car voyez-vous, dès les premières secondes, ce film signé Josh Gordon et Will Speck est d’un ennui mortellement communicatif.

Pas une séquence n’est là pour rattraper l’autre. Les secondes paressent des minutes, les minutes des heures à notre montre qui n’a jamais été autant regardée en si peu de temps. La faute à quoi ? Simplement à un ratage intégral de la part des réalisateurs qui ont cru bon de nous servir une soupe populaire avec des ingrédients périmés.

Sur le papier, Une Famille Très Moderne n’inventait certes pas grand-chose mais le concept de la fille de bonne famille voulant à tout prix un gosse quitte à faire appel à un donneur pouvait donner naissance à des séquences cocasses arrivant au final à nous divertir avec aisance. Que nenni il n’en sera rien une fois notre fessier bien en place devant l’écran. Il n’y a rien de pire qu’une comédie dramatico-romantique se prenant au sérieux. C’est malheureusement le cas ici et le rire devient une fausse illusion laissant place à une atmosphère lourde et pesante. Monsieur Supplice était donc installé dans cette salle !

Bien que le casting ait pu attirer notre attention avec la présence de Jeff Goldblum, Juliette Lewis et Patrick Wilson, ce dernier n’était qu’une désillusion de plus puisque chacun des acteurs présents cachetonnent. Abrités derrière de beaux sourires bien propres, la curieuse impression qu’ils ne savent pas plus que nous ce qui les a poussés ici se ressent. Dommage car avec un peu plus de peps et de liberté dans l’interprétation de leur personnage, disons que le résultat n’aurait pas pu être pire.

Une Famille Très Moderne est un très beau navet bien emballé et cultivé avec soins qui ne nous aura pas deux fois.

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A l’occasion de la sortie iPhone du jeu Lascars – « Baston de Regards » le 1 septembre, Le Blog du Cinéma vous propose de participer à un concours qui vous permettra de remporter des intégrales DVD des deux premières saisons de Lascars…

A savoir 5 intégrales des saisons 1 et 2 de la série Lascars.

Plus d’informations sur dailymotion.com/lascars

Voici 2 extraits de la série :

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RÈGLEMENT DU CONCOURS

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Le concours prendra fin le 12 septembre 2010 à 23:59. Les réponses reçues après cette date limite ne seront pas valides et ne seront pas comptées dans le nombre total de participations.

Les gagnants seront contactés par E-mail pour confirmer leur gain et leurs coordonnées à la fin du jeu-concours.

En cas de non réponse passé un délai de 10 jours, ou d’e-mail retourné en erreur, le lot sera attribué à un(e) autre finaliste.

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A l’occasion de la sortie DVD du film Weirdsville le 1 septembre, Le Blog du Cinéma – en partenariat avec Recidive Films pour Pathé – vous propose de participer à un concours qui vous permettra de remporter des DVD…

A savoir 5 DVD du film Weirdsville de Allan Moyle avec Wes Bentley, Scott Speedman et Taryn Manning.

Le pitch : Royce et Dexter sont deux paumés vivant dans l’étrange endroit qu’est Weedsville (« l’étrange ville »). Le jour où Matilda, la petite amie de Rayce meurt dune overdose, il ne trouvent rien de mieux que de l’enterrer sur le terrain d’un drive-in désaffecté. Mais ils découvrent bientôt que l’endroit sert aux sacrifices d’une secte sataniste.

Plus d’informations : recidivefilms.com – jeuxdenainsjeuxdevilains.com – www.facebook.com/pages/Weirdsville-France

Voici la bande-annonce du film :

Pour tenter de gagner l’un de ces lots, répondez correctement à ces 2 questions.

RÈGLEMENT DU CONCOURS

Un clic sur le bouton « Envoyer » en bas de formulaire constitue l’émission d’un bulletin de participation.

Une seule participation par personne, par E-mail et par foyer est autorisée. En cas contraire, flagrant ou douteux, (participations multiples, bulletins à coordonnées identiques, erronées ou incomplètes), la Rédaction du Blog Du Cinéma ne tiendra compte d’aucune réclamation et aucun lot ne pourra être attribué à l’émetteur du bulletin.

Le concours prendra fin le 15 septembre 2010 à 23:59. Les réponses reçues après cette date limite ne seront pas valides et ne seront pas comptées dans le nombre total de participations.

Les gagnants seront contactés par E-mail pour confirmer leur gain et leurs coordonnées à la fin du jeu-concours.

En cas de non réponse passé un délai de 10 jours, ou d’e-mail retourné en erreur, le lot sera attribué à un(e) autre finaliste.

Si vous n’êtes pas sûr d’être joignable dans la période de 10 jours qui suivent la fin du concours, vous êtes priés d’en avertir la Rédaction.
La participation à ce jeu implique que vous autorisiez Le Blog Du Cinéma à utiliser les informations vous concernant dans ce concours. Le Blog Du Cinéma s’engage à ne pas les transmettre à d’autres personnes ou sociétés.
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Alors que la ville de Lake Victoria s’apprête à recevoir des milliers d’étudiants pour le week-end de Pâques, un tremblement de terre secoue la ville et ouvre, sous le lac, une faille d’où des milliers de piranhas s’échappent. Inconscients du danger qui les guette, tous les étudiants font la fête sur le lac tandis que Julie, la shérif, découvre un premier corps dévoré… La journée va être d’autant plus longue pour elle que Jake, son fils, a délaissé la garde de ses jeunes frères et sœurs pour servir de guide à bord du bateau des sexy Wild Wild Girls !

Note de l’Auteur

8 out of 10 stars

• Date de sortie : 1 septembre 2010
• Réalisé par Alexandre Aja
• Film américain
• Avec Elisabeth Shue, Adam Scott, Jerry O’Connell
• Durée : 1h 29
• Bande-Annonce :

Cliquer ici pour voir la vidéo.

Il y a quelques années, un monsieur dont absolument personne ne connaît le nom (Steven Spielberg) inventait un genre qui laissait une trace ineffaçable dans l’esprit des spectateurs avec Les Dents De La Mer : le film d’été, production érigée dans le seul but de détendre les foules durant une période estivale. 35 ans après la recette est toujours miraculeuse et ne cesse de donner naissance à des productions plus ou moins réussies. Ainsi donc, cet été 2010 n’échappe pas à cette règle d’or puisque c’est au tour d’Alexandre Aja, jeune réalisateur prometteur rendu célèbre dans le milieu de l’horreur avec Haute Tension et l’excellentissime remake de La Colline A Des Yeux, de revenir sur nos écrans avec un nouveau remake à son compteur : Piranha 3D. Bon oui le film sort le 1er septembre (merci les distributeurs !) mais on va faire comme s’il était sorti un jour de pleine canicule. Une chose est néanmoins sûre, les amateurs de beefsteak saignant en auront pour leur argent.

Film parodique d’une génération passée, Piranha 3D est aussi jouissif qu’on aurait pu le penser au premier abord. S’installant en plein milieu des Spring Break (mais si vous savez ces fêtes où des foules d’étudiants ricains se lâchent enfin), ce film d’épouvante ne tarde pas à dévoiler autre chose que des morceaux de viande arrachés. Boobs, paires de fesses et ventres plats seront de la partie au rythme des sons techno du moment. Pour vous mesdames, ne vous inquiétez pas, Alexandre Aja n’a pas fait les choses à moitié et en a mis pour tous les goûts. Dès lors, on comprend vite une chose, avec ce film, le réalisateur a réveillé le sale môme qui sommeillait en lui et s’est fait plaisir. Un plaisir bien évidemment communicatif.

Mais bon, comme un film d’horreur ne peut se résumer qu’à une bande de filles topless ou carrément nues (sisi je vous assure !), qu’en est-il de ces fameux déchiqueteurs de chairs fraiches ? Et bien le spectacle est de toute beauté ! Réussissant à merveille ce dosage tant délicat de l’humour et du gore, Aja nous entraine dans un crescendo monstrueux dont le final sentira bon la barbaque en décomposition. Eviscération, démembrements, courses effrénées bien que les piranhas nagent bien plus vite que nous pauvres humains, le spectacle est de taille et ce n’est pas les effets d’une rare qualité pour ce genre de métrage qui viendront gâcher notre plaisir.

Au final, Piranha 3D est peut-être le divertissement le mieux abouti qualitativement parlant. Tout en s’amusant, Alexandre Aja impose sa patte artistique et nous prouve qu’il a tout d’un très grand en devenir. Piranha 3D : une folie jouissive qui n’est pas sans rappeler un certain Braindead dont une scène est largement inspirée. Les amateurs apprécieront, les aficionados applaudiront.

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A l’occasion de la sortie du film Le Dernier Exorcisme le 15 septembre, Le Blog du Cinéma – en partenariat avec StudioCanal – vous propose de participer à un concours qui vous permettra de remporter des places de cinéma…

A savoir 15 places pour 1 personne pour aller voir Le Dernier Exorcisme de Daniel Stamm avec Patrick Fabian, Ashley Bell et Iris Bahr.

Le pitch : Quand il arrive dans une ferme, le révérend Cotton Marcus s’attend à réaliser un simple exorcisme sur un fanatique religieux troublé. Cependant, il est contacté en dernier recours pour aider une adolescente, Nell, possédée par un démon.
En arrivant à la ferme, l’exorciste se rend vite compte que rien n’aurait pu le préparer au mal qu’il va affronter alors qu’il s’apprête à filmer un documentaire avec toute une équipe de tournage.
Il est cependant trop tard pour faire marche arrière, les croyances du révérend seront ébranlées quand lui et son équipe devront trouver un moyen de sauver Nell ainsi qu’eux même avant qu’il ne soit trop tard.

Plus d’informations sur studiocanal.com

Voici la bande-annonce du film :

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Walter White, 50 ans, est professeur de chimie dans un lycée du Nouveau- Mexique. Pour subvenir aux besoins de Skyler, sa femme enceinte, et de Walt Junior, son fils handicapé, il est obligé de travailler doublement. Son quotidien déjà morose devient carrément noir lorsqu’il apprend qu’il est atteint d’un incurable cancer des poumons. Les médecins ne lui donnent pas plus de deux ans à vivre. Pour réunir rapidement beaucoup d’argent afin de mettre sa famille à l’abri, Walter ne voit plus qu’une solution : mettre ses connaissances en chimie à profit pour fabriquer et vendre de la drogue de synthèse.

Note de l’Auteur

7 out of 10 stars

• Saison : 3
• Nombre d’épisodes : 13
• Format : 46 minutes
• Date de 1ère diffusion en France : 20 octobre 2009
• Création : Vince Gilligan
• Avec Bryan Cranston, Anna Gunn, Aaron Paul
• Bande-annonce :

Cliquer ici pour voir la vidéo.

Il aura donc fallu attendre la 3ème saison pour voir apparaître les premières faiblesses de Breaking Bad. Non pas que cette saison soit mauvaise en soi mais elle nous laisse un arrière-goût d’insatisfaction. Le plaisir coupable n’est plus et le final est à l’image d’un ensemble instable, en demi-teinte.

Tout d’abord, il est bien difficile de comprendre l’apparition subite de flashbacks disséminés ici et là. En fait si, il est facile de les comprendre car ils servent de cache misère à un scénario qui commence à patiner dans la semoule et qui manque cruellement de rythme. Certains épisodes nous prennent aux tripes avec des dialogues délicieux, une tension extrême palpable à chaque seconde (l’épisode de la fusillade avec Hank) et des scènes aux effets d’un rare réalisme (notamment la scène où deux latinos se font écraser par une voiture) mais d’autres, et ils sont malheureusement plus nombreux, nous plongent dans un état léthargique à la limite de l’endormissement. La faute à quoi ? Simplement à des dialogues longs de cinq-six minutes qui ne servent pas le scénario et des situations récurrentes commençant à tourner en rond. Pour nous consoler on pourra toujours se raccrocher au duo Walter/Jesse qui fait toujours des étincelles et à des apparitions telles que Danny Trejo et Keith Jardine qui apportent un peu de gaieté à ceux qui les reconnaitront. Mais dans l’ensemble, le premier mot qui nous vient à la bouche est déception.

C’est d’autant plus dommage que cette série s’affirmait comme l’une des plus réussies de ces dernières années et ainsi, la désagréable impression que cette troisième saison aurait du être la dernière devient de plus en plus tenace au sein de notre esprit. Comme quoi, même les plus grands ont des passages à vide à la seule différence qu’il est moins évident de leur pardonner. Espérons que la quatrième saison se refasse une santé et reparte pour la route.

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Lors d’une ronde de nuit qui tourne mal, Simon et Julie, deux simples gardiens de la paix, blessent un jeune cadre qui a abattu sans raison un de leurs coéquipiers. Accusés à tort de bavure et lâchés par leur hiérarchie, ils décident de prouver leur innocence en enquêtant sur la drogue responsable du coup de folie de leur agresseur.

Note de l’Auteur

7 out of 10 stars

• Date de sortie : 7 avril 2010
• Réalisé par Nicolas Boukhrief
• Film français
• Avec Cécile de France, Fred Testot, Julien Boisselier
• Durée : 1h 45min
• Bande-Annonce :

Cliquer ici pour voir la vidéo.

Après deux années de désertion, Nicolas Boukhrief revient avec un polar noir qui semble tout droit suivre la même lignée que Le Convoyeur, réussite surprise de 2004 mettant en scène Jean Dujardin et Albert Dupontel. Sans pour autant atteindre les cimes de ce dernier, cette nouvelle réalisation réussit son pari de nous divertir avec talent.

Nous amenant sur les traces de deux policiers obligés d’enquêter de manière très borderline sur une nouvelle drogue suite au décès d’un de leurs collègues, Gardiens De L’Ordre arrive à nous convaincre dès les premières secondes. Certes ce n’est pas ce scénario déjà-vu nous plongeant dans les dangers de l’infiltration policière qui nous fera nous lever de notre siège pour applaudir au génie mais Nicolas Boukhrief arrive à nous dresser un portrait très intéressant du monde de la nuit à travers le regard de ces deux flics brillamment interprétés par Fred Testot (quelle belle surprise !) et Cécile De France dans un rôle beaucoup plus sombre qu’à l’accoutumée.

Après le décevant Cortex, on pouvait craindre le pire mais tel un je-m’en-foutiste de génie Nicolas Boukhrief fait taire ses détracteurs de la plus belle des manières ici. Mise en scène dynamique, atmosphère efficace, esthétisme convaincant (subtil jeu de lumières), tout arrive à nous convaincre que ce réalisateur n’est pas mort et qu’il a encore de l’encre dans son stylo. Ainsi donc, ce qui aurait pu s’apparenter à un énième film sur la police et ses écarts de conduite s’avère être une œuvre non sans accroc du en grande partie à un manque d’originalité certain mais très plaisante à découvrir.

Au final, sans pour autant révolutionner le genre, Nicolas Boukhrief nous offre un polar noir à la française, honnête et sans grosse bavure, qui nous promène avec une facilité déconcertante dans une descente aux enfers finement filmée. Une bonne petite surprise comme il est si rare d’en voir de nos jours.

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Syracuse, un pêcheur irlandais, découvre un jour dans son filet une femme prénommée Ondine, dont il est persuadé qu’il s’agit d’une sirène. Au fur et à mesure qu’Ondine s’intègre dans la communauté, plusieurs théories émergent quant à sa nature, tandis que Syracuse commence à tomber amoureux d’elle…

Note de l’Auteur

7 out of 10 stars

• Date de sortie : 25 août 2010
• Réalisé par Neil Jordan
• Film américain, irlandais
• Avec Colin Farrell, Alison Barry, Alicja Bechlada, Stephen Rea, Tony Curran
• Durée : 1h51min
• Titre original : Ondine
• Bande-Annonce :

Cliquer ici pour voir la vidéo.

En 1994, Neil Jordan réactivait le mythe du vampire au cinéma en compagnie de Tom Cruise et de Brad Pitt. La soif de mythologie paraît inextinguible et c’est sans doute pourquoi le réalisateur irlandais veut nous abreuver aujourd’hui de Ondine, un conte de fée celtique au réalisme magique et à la portée transgénérationnelle.

Syracuse est pêcheur dans un petit village d’Irlande du sud. Il est salao comme dirait Ernest Hemingway, un pêcheur malchanceux, ancien alcoolique déprécié par la communauté. Séparé de sa femme, il assiste impuissant à la maladie de sa fille, la petite et ravissante Annie à qui il manque un rein valide. Empêtré dans ses tourments, Syracuse se réfugie en mer où brusquement il fait une pêche miraculeuse : une jolie jeune femme à demi-noyée qui dit s’appeler Ondine. Cette femme, à l’identité brouillée par la mer et ses secrets, offre à Syracuse l’occasion de renverser le cours de sa vie et celle de sa fille. Elle a le don de porter chance. Cependant, chacun sait que les contes de fée ont leur part de ténèbres…

L’esthétique de Ondine ne doit rien à Alice Au Pays Des Merveilles de Tim Burton, Les Frères Grimm de Terry Gilliam ou Le Petit Poucet de Olivier Dahan. Situé dans le creuset de la vie courante, ce long-métrage n’a pas tablé sur la sophistication des images pour apporter le rêve. C’est un pari que Neil Jordan a remporté. L’Irlande lumineuse, venteuse, froide et salée lui a suffi à créer une atmosphère de vertiges et d’horizon sans borne. La beauté naturelle de l’étendue marine communique à l’histoire sa capacité d’absorption. L’histoire se développe et enveloppe sans heurts. L’attirance de Syracuse pour Ondine et vice-versa coule de source. Elle le transcende, il la comble, transcendance et plénitude sont deux propriétés océanes. Annie associe Ondine aux Selkies, une famille de créatures amphibiennes liées au destin de l’homme. L’homme est aussi un amphibien. Il peut nager dans plusieurs sortes d’ivresse, comme Syracuse rendu ivre de chagrin par l’accident de voiture de sa fille, ivre d’amour pour son porte-bonheur féminin, ivre de l’alcool et de la désillusion qu’il partage avec son ex-épouse. Puis l’homme refait surface.

Colin Farrell prouve de films en films qu’il descend en droite ligne de James Dean pour une chose : la tendre rudesse. Son rapport aux femmes est empreint d’une douceur presque féminine qui ne contredit pas mais anoblit sa nerveuse virilité. Alicja Bechlada, sa partenaire polonaise, sirène d’un autre genre devant Poséidon, ensorcèle à force d’érotisme ingénu, de charme ignorant de lui-même, d’absence de manières. Elle est crue au sens littéral. Mention spécial pour la précoce Alison Barry, la fille fictive de Colin Farrell, solennelle et mutine. Elle organise le conte et c’est par son regard exercé que nous captons l’étrange et précieux savoir que la magie, au fond, n’est qu’une affaire de lucidité.

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Les aventures sentimentalo-rocambolesques de Nick Twisp, un adolescent amoureux lancé sur les traces de la fille de ses rêves, qui s’invente un double pour la séduire…

Note de l’Auteur

5 out of 10 stars

• Date de sortie : 1 Septembre 2010
• Réalisé par Miguel Arteta
• Film américain
• Avec Michael Cera, Portia Doubleday, Jean Smart
• Durée : 1h 31min
• Bande-Annonce :

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Be Bad ! Voilà un nom qui a commencé à faire parler de lui depuis quelques mois déjà. Annoncé comme un teen-movie dévastateur nous embarquant dans un délire digne de ce nom, ce film signé Miguel Arteta avait tout à prouver d’autant que les productions tenant leur promesse se font extrêmement rare dans cette branche. Alors pari réussi ou bide de plus ? A vrai dire un peu des deux.

Be Bad ! n’est pas un mauvais film, il comporte suffisamment de scènes délirantes et des acteurs réussissant avec plus ou moins de classe à nous faire rire pour nous faire passer un très bon moment. Certaines scènes sont de véritables pépites à garder précieusement au sein de notre tête. Seulement voilà, mis bout à bout, ces moments ne sont pas légion et une bonne cinquantaine de minutes sera à oublier au plus vite. Pourquoi ? Simplement parce que Be Bad !, avec ces séquences indigestes et fades, s’enfonce dans les stéréotypes les plus agaçants du genre. Du coup on suit avec plus ou moins d’intérêt les (més)aventures de ce puceau qui a décidément bien du mal à tremper son p’tit biscuit.

Ce constat est d’autant plus dommage que le film regorge de bonnes idées à commencer par ce dédoublement de la personnalité de notre cher héros qui n’est pas sans rappeler un certain Fight Club. Les meilleures séquences émergent de cette notion de bien et de mal que son fantasme incarne à la perfection et lors d’une prise de champignons hallucinogènes par une famille catholique tout ce qu’il y a de plus propret. Pour le reste, on a plus l’impression d’assister à un remplissage dans les règles de l’art qu’à un véritable exercice de style essayant de se démarquer de ses concurrents.

Au final, Be Bad ! est une production bâtarde qui ne semble jamais savoir sur quel pied danser. Une production qui remplit parfaitement son rôle de divertissement simpliste que l’on oubliera le jour suivant, ce qui est d’autant plus agaçant quand on aperçoit le potentiel de ce film loin d’être dénué de charme.

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Photographes de guerre chevronnés, Mark et David sont en mission au Kurdistan. Tandis que le premier décide de rester sur place quelques jours encore en quête du cliché susceptible de le rendre célèbre, le second ne supporte plus la violence et le désespoir quotidiens. Surtout, il veut rentrer pour retrouver sa femme Diane, qui attend un enfant.
Grièvement blessé, Mark échoue dans un hôpital de campagne, avant d’être rapatrié à Dublin, où il apprend que David, lui, a disparu…

Note de l’Auteur

6 out of 10 stars

• Date de sortie : 16 juin 2010
• Réalisé par Danis Tanovic
• Film français , belge , espagnol , irlandais
• Avec Colin Farrell, Christopher Lee, Paz Vega
• Durée : 1h 36min
• Bande-Annonce :

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Après le chef-d’œuvre No Man’s Land et un film quelque peu raté (L’Enfer), Danis Tanovic revient avec un nouveau métrage annoncé comme une véritable bombe à retardement : Eyes Of War. Celui-ci nous met face à l’horreur de la guerre à travers deux photographes voguant de champs de bataille en hôpitaux sentant bon la mort et la moisissure. Pendant vingt bonnes minutes qui nous en mettent plein les mirettes, on assiste au quotidien de ces deux « frères d’objectifs ». La dualité et le monde qui les séparent sont bien mis en avant, l’un prenant soin de prendre la photo contant l’espoir et l’amour, la photo qui nous prouve que l’humanité n’est pas aussi pourrie qu’elle nous le laisse penser, l’autre ne se contentant que de l’image choc qui pourrait faire les gros titres de journaux internationaux. Première partie très intéressante qui nous rabiboche avec un metteur en scène bourré de talent.

Malheureusement, passées ces vingt premières minutes, Eyes Of War prend une toute autre tournure. Ainsi, après l’horreur de la guerre, le personnage campé par Colin Farrell revient chez lui et affronte de plein fouet la dure réalité d’un retour au foyer. Danis Tanovic essaie de montrer à travers son objectif le traumatisme qu’une telle descente aux enfers engendre sur des hommes et des femmes dont le métier est d’aller au cœur de l’action sans jamais vraiment y parvenir entièrement. En essayant à tout prix de nous noyer dans un pathos avec ce trop plein de bons sentiments, le réalisateur se perd quelque peu dans son sujet et ni un Colin Farrell en demi-teinte, brillant puis s’éteignant le plan suivant, ni un très bon Christopher Lee qui n’a rien perdu de son charisme n’arriveront à nous sortir de cette atmosphère lourde et soporifique. Si l’on ajoute à cela une sous intrigue (la disparition de son meilleur ami au front) facilement prévisible, Eyes Of War ne nous procure pas plus qu’un arrière-goût d’insatisfaction persistante.

Au final, Eyes Of War avait tout pour réussir si son réalisateur n’avait pas voulu en faire un film large (trop large ?) pour toucher l’ensemble de la population mondiale. Le côté intimiste de No Man’s Land n’est plus et c’est sans doute ce qui manque le plus ici. Restera quelques jolies séquences et une photographie envoûtante pour ne pas totalement nous faire sombrer dans les bras de Morphée.

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C’est l’histoire d’un homme qui reçoit la visite de son cancer. « Bonjour, lui dit le cancer, je suis votre cancer. Je me suis dit que ça serait peut-être pas mal de faire un petit peu connaissance… »

Note de l’Auteur

7 out of 10 stars

• Date de sortie : 25 août 2010
• Réalisé par Bertrand Blier
• Film français
• Avec Jean Dujardin, Albert Dupontel, Anne Alvaro, Myriam Boyer
• Durée : 1h27min
• Titre original : Le Bruit des glaçons
• Bande-Annonce :

Cliquer ici pour voir la vidéo.

A l’image du cancer qui ne prévient pas, Le Bruit Des Glaçons est un film qui commence de façon abrupte, prenant le spectateur au dépourvu. On est immédiatement embarqué, sans préavis, dans l’univers instauré par Bertrand Blier. Au spectateur donc de s’adapter aux personnages insolites, à l’histoire décousue, et au phrasé particulier. Mais qu’on ne s’y trompe pas, si les débuts sont difficiles, maladroits, on rentre peu à peu dans cette atmosphère onirique, et hors du temps. Un huis-clos oppressant s’ouvre sur une histoire originale et à laquelle on veut croire toute de suite. Rien d’étonnant donc, à ce que le cancer soit humanisé.

Le sujet était délicat, explosif même. Face à cela, un humour sans compromis, amer et grincheux. Malheureusement, la verve de Bertrand Blier ne tient pas toujours la distance, on sourit plus qu’on ne rit, et le film se plombe parfois. De plus le sujet et l’humour ne s’équilibrent pas toujours, et on n’échappe pas à une certaine mélancolie. Mais on savoure d’un bout à l’autre la situation incongrue (votre cancer vient sonner chez vous) et la beauté des images. Blier filme avec audace et poésie ce cancer-Dupontel littéralement agrippé à Jean Dujardin. Il s’incruste tant et si bien dans l’image qu’il nous devient très vite familier. Le contexte est volontairement épuré, simple, se réduisant à quelques personnages, dont certains ne font que passer. Ainsi, la présence du cancer devient inexorable, mais est aussi obsédante que drôle.

De ce fait, on regrette que le personnage incarné par Albert Dupontel n’ait pas bénéficié d’un peu plus de profondeur. On le sent limité dans ses possibilités, et on reste un peu frustré du peu qu’il nous donne de son personnage. Son duo avec Jean Dujardin n’est pas toujours réussi, malgré quelques perles. Jean Dujardin, par contre, se réussit dans ce rôle à l’opposé de ceux qu’on lui connaissait, et qu’il incarne avec une grande justesse. Face à lui les femmes ne sont pas en reste, et c’est grâce l’interprétation très touchante d’Anne Alvaro que ce film traite aussi de vie et d’amour. A noter que le cancer d’Anne Alvaro, jouée par Myriam Boyer, est celui qui fait sourire le plus volontiers, tant son rôle dénote des autres personnages, beaucoup plus retenus.

En conclusion, Le Bruit Des Glaçons est un film qui ne tient pas toutes ses promesses mais qui reste fort de très bonnes qualités qui en font une belle œuvre. Si le film est un peu pesant, l’audace scénaristique est très bien assumée et mérite le détour.

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Pour la famille Winslow, déménager du Kanksas en Californie marque un grand changement dans leur vie. Mais pour leur chien Marmaduke, cela veut dire une nouvelle vie et surtout des nouvelles bêtises à faire…

Note de l’Auteur

3 out of 10 stars

• Date de sortie : 18 août 2010
• Réalisé par Tom Dey
• Film américain
• Avec Lee Pace, Owen Wilson, Emma Stone
• Durée : 1h 27min
• Bande-Annonce :

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Après une première impression légèrement amère laissée par Comme Chiens Et Chats – La Revanche De Kitty Galore qui était censé être le film animalier de cet été, voilà qu’un autre métrage bataillant dans la même catégorie apparaît un peu à l’improviste, Marmaduke. Adaptation d’une bande dessinée créée par Brad Anderson en 1954 et publiée dans un journal, ce métrage signé Tom Dey (réalisateur à qui l’on doit des chefs-d’œuvre audiovisuels ayant marqué à jamais le monde du cinéma comme Playboy A Saisir, Showtime et Shanghaï Kid) nous conte l’histoire de Marmaduke, un danois qui ne loupe pas une occasion pour vivre sa vie de cabot stupide à fond la caisse.

Si la transposition du milieu adolescent est plutôt bien parodié dans l’ensemble avec ce chien fraichement débarqué dans une nouvelle ville qui ne va pas tarder à s’attirer les foudres du gros bras de la race canine en s’amourachant de sa petite amie, Marmaduke n’a malheureusement rien à nous proposer hormis une belle brochette de canidés qui ravira surement les fans de 30 Millions D’Amis. Outre cela, si l’on n’a pas moins de 6 ans, le temps se cristallisera pour nous laisser dans un état de somnambulisme indomptable. Pire, il semblerait que Tom Dey ait régressé un peu plus encore, tombant désormais dans le spectacle nian-nian réservé normalement aux débutants souhaitant se faire la main. Mise en scène amatrice, dialogues à peine recherchés, situations grotesques, Marmaduke patine dans la mélasse et ne semble jamais vraiment savoir sur quel pied danser pour rendre le tout un peu plus digeste.

Pire encore, il est bien difficile de comprendre ce procédé désormais à la mode qui consiste à utiliser des effets numériques sur la bouche d’animaux pour donner l’impression qu’ils parlent. Cela est d’autant plus pathétique qu’il est souvent très mal utilisé conférant à l’ensemble une grossièreté que seuls les plus jeunes ne décèleront pas immédiatement. Pourquoi s’engouffrer dans une telle impasse alors que dans le passé des films comme Beethoven ou L’Incroyable Voyage et sa suite ont réussi à nous faire véhiculer des émotions à travers de simples regards ou attitudes canines ? C’est à n’y rien comprendre.

Au final, Marmaduke est un film qui aura sans doute du succès auprès d’un très jeune public mais l’effet sera tout autre du côté des adultes qui ne pourront regretter que plus amèrement une époque où le mot divertissement avait encore du sens. A bon entendeur…

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Ancien apprenti de Merlin, Balthazar Blake est à la recherche du descendant spirituel de son maître “le Premier Merlinien” depuis des siècles afin de pouvoir faire libérer l’âme de sa bien aimée d’une poupée gigogne où se trouve également l’âme de la maléfique Morgane. Maxim Horvath, un autre ancien apprenti de Merlin dévolu à la cause de Morgane, cherche en revanche à faire libérer sa maîtresse et à l’aider à conquérir le monde. Au milieu de ce combat, le maladroit Dave Stutler découvre grâce à Balthazar qu’il est le 1e Merlinien… et qu’il a beaucoup à apprendre !

Note de l’Auteur

5 out of 10 stars

• Date de sortie : 11 août 2010
• Réalisé par Jon Turteltaub
• Film américain
• Avec Nicolas Cage, Jay Baruchel, Teresa Palmer, Alfred Molina, Monica Bellucci
• Durée : 1h45min
• Titre original : The Sorcerer’s Apprentice
• Bande-Annonce :

On peut le dire tout de go : on est face à une sorte de sous-Harry Potter. Estampillé Disney, ce film comporte son lot de pouvoirs magiques, de quête initiatique et de personnages hauts en couleurs. D’ailleurs voir apparaître au générique Nicolas Cage et Alfred Molina surprend et on imagine très vite que ces deux acteurs sont là pour encaisser leur chèque et en faire le minimum. Mais ce n’est pas tout à fait vrai. Certes ils cabotinent et ne font pas dans l’excellence, mais leur travail reste respectable pour un film mineur. Les autres acteurs, plus jeunes, sont en revanche plus moyens avec notamment le rôle de Dave Stutler surjoué à l’extrême.

Pour ce qui est du scénario, on fait en effet dans le très classique : l’apprentissage et tout le tralala qui va avec (en même temps, il y a Apprenti dans le titre…). La bonne surprise vient des dialogues légers qui, même s’ils sont relativement logiques et prévisibles, font généralement mouche. De même, la durée et le rythme du film sont bien étudiés et on ne s’ennuie pas spécialement. Par contre, les effets spéciaux ne sont pas surprenants et on a mille fois vu ces rayons de lumière ou ces objets animés. On notera à propos d’objets animés une jolie référence au Merlin L’Enchanteur de Disney avec une scène complète.

Après, on est loin de la richesse d’un Harry Potter vu que la comparaison est assez facile, même si je me suis moins ennuyé à regarder ce film qu’avec le dernier opus de l’adaptation ciné de la saga de J.K. Rowling. La prestation est globalement moyenne avec quelques bonnes idées. En bref, un divertissement honnête mais sans panache.

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Dans le décor aseptisé des bureaux d’une puissante multinationale, deux femmes s’affrontent… La jeune Isabelle travaille sous les ordres de Christine, une femme de pouvoir qu’elle admire sans réserve. Convaincue de son ascendant sur sa protégée, Christine entraîne Isabelle dans un jeu trouble et pervers de séduction et de domination. Ce jeu dangereux va trop loin… jusqu’au point de non retour.

Note de l’Auteur

5 out of 10 stars

• Date de sortie : 18 août 2010
• Réalisé par Alain Corneau
• Film français
• Avec Ludivine Sagnier, Kristin Scott Thomas, Patrick Mille
• Durée : 1h44min
• Bande-annonce :

Cliquer ici pour voir la vidéo.

A la table des Aînés, Alain Corneau n’est pas le moins gourmand. Son appétit de cinéma est comparable à celui de Martin Scorsese et de Clint Eastwood, il est aussi plus communicatif que celui des jeunes vidéastes acquis aux sautes de caméras inutiles. Chez Corneau, culture du soin oblige, le récit se développe plan par plan sans être inféodé aux prouesses rapides et faciles d’un montage de clip. Il y a un risque du plan, un risque du dévoilement que n’entend pas le vidéaste hystérique. Pour Corneau, à coups sûr, le défi consiste à prendre le temps de nous intriguer.

A la tête d’une puissante société d’agro-alimentaire, Christine Rivière est l’archétype de la maîtresse-femme, gantée de velours mais féroce comme un tigre. Son plus proche vassal, la jeune et débonnaire Isabelle Guérin lui voue un culte à peine discret. Réglant ses moindre pas sur ceux de sa dirigeante, Isabelle ne tarde pas à gêner Christine et déclenche malgré elle un farouche jeu d’influence. L’issue de ce jeu malsain tourne à la surprise à mesure qu’Isabelle le disciple avance toutes griffes dehors avec de la suite dans les idées…

Crime D’Amour est un thriller épuré, presque silencieux qu’habille de temps en temps une fine musique japonisante tout à fait inattendue dans un film français. Le suspens est volontairement retiré de l’intrigue. La tension dramatique ne tient qu’à l’ambiance feutrée et au calme anti-naturel des situations. La recette fonctionne globalement même si la cadence générale pourrait varier un peu plus. Le risque d’endormissement n’est jamais loin mais Corneau parvient à sauvegarder notre intérêt par sa direction d’actrices. Kristin Scott Thomas, maîtresse-femme aux allures de Glenn Close, séduit avec la bonne foi d’une impératrice Ludivine Sagnier, Lolita mûrie et machiavélique qui veut sa place. Dans le face à face, l’expérience de l’une vaut l’étrangeté de l’autre. Dialogues, diction, intentions reflètent un sens de la justesse bienvenu. Cependant, l’épure à haute dose est moribonde. Un film captivant aurait du Jason Bourne et du Crime D’Amour en lui. Crime D’Amour seul manque encore de vibrations et peut-être même de l’hystérie de certains jeunes vidéastes, justement.

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