Des diners typiques aux small towns de banlieue, en passant par Hollywood, David Lynch semble avoir représenté tous les symboles de ce que sont les États-Unis des années 1950 aux années 2000. Il filme ce que l’on pourrait appeler la vitrine du rêve américain : un univers rassurant, familier, presque nostalgique. Mais David Lynch révèle aussi les dessous de cette façade, jusqu’à faire surgir ce qu’elle contient de plus troublant : la violence, le désir et la corruption. Cela vaut aussi bien pour les petites villes américaines que pour le monde du glamour et des paillettes qu’est Hollywood.
Une Amérique idéale fissurée de l’intérieur
Blue Velvet (1986) s’ouvre sur une vision presque caricaturale de l’American way of life : ciel bleu saturé, roses rouges, clôture blanche en bois, voisinage tranquille. Mais tout bascule lorsque le jeune Jeffrey trouve une oreille coupée dans un champ. Cette découverte n’est pas un simple élément narratif : elle agit comme une rupture symbolique, matérialisant l’irruption du réel sous la surface idéalisée. À partir de là, Lynch ne raconte pas seulement une enquête. Il livre un portrait de la perversion humaine, à travers la curiosité de Jeffrey pour le mal et la violence de Frank Booth envers Dorothy Vallens.
La brutalité de Frank Booth n’est pas extérieure à cette société. Elle révèle une vérité déjà présente, simplement dissimulée. La banlieue américaine n’est donc pas corrompue par accident : elle repose sur une violence qu’elle refuse de reconnaître. Lynch va jusqu’à suggérer qu’elle est tolérée, voire rendue possible, par ceux-là mêmes qui sont censés incarner l’ordre. La figure du policier corrompu apparaît alors comme ambiguë. Cette fragilité de l’autorité renforce l’idée que la perversion n’est pas seulement individuelle, mais qu’elle peut aussi être acceptée, y compris par les institutions.
Dans Twin Peaks (1990), derrière la surface rassurante se cachent également la corruption et la violence. Tout, dans la série, participe à une forme de familiarité presque réconfortante, comme le diner, son café et sa fameuse tarte aux cerises. Pourtant, le meurtre de la jeune Laura Palmer vient contredire cette apparence. Lynch montre que l’ordre symbolique d’une Amérique idéale repose sur le silence, le déni, les secrets et les traumatismes. La violence apparaît alors comme intrinsèque à la communauté.
Mais la découverte du meurtrier, Leland Palmer, le père de Laura, qui l’agressait sexuellement, complexifie l’idée d’un mal purement individuel. Celui-ci semble au contraire diffus et structurel, d’autant plus que Leland est présenté comme étant sous l’emprise d’un esprit maléfique, Bob. En introduisant cette figure, Lynch suggère que la société américaine préfère externaliser le mal plutôt que reconnaître qu’il est déjà en son sein. La façade de la petite ville idéale fonctionne alors comme un mécanisme de dissimulation collective.
Hollywood ou le rêve devenu piège
Avec Mulholland Drive (2001), Lynch utilise cette fois l’univers d’Hollywood. Il ne s’agit plus ici de la banlieue ou de la petite ville, mais du cœur même de l’industrie des images. Le titre lui-même évoque la route, le déplacement, l’idée d’un trajet. Chez Lynch, la route devient souvent un espace d’incertitude, de fuite, de dérive ou de basculement. David Lynch dépeint Hollywood comme un lieu où le rêve mène à une forme d’insatisfaction permanente. Le succès des uns signifie l’échec des autres, et la violence prend alors la forme de l’effacement, de la confusion, du fantasme qui remplace la réalité lorsque celle-ci devient insoutenable.
C’est ce qu’illustre Betty Elms, jeune comédienne qui rêve de réussite. Mais lorsque ce rêve se fissure, le désir, la frustration et la jalousie finissent par contaminer son rapport au réel. Lynch montre ainsi qu’Hollywood produit des identités fragiles, dépendantes du regard des autres, soumises à une violence souvent invisible. Le film dessine alors l’image d’un monde corrompu, où le manque de protection et la soif de succès peuvent exposer les femmes à des rapports de pouvoir prédateurs.
Cette lecture peut faire écho, avec prudence, à des témoignages rendus publics bien plus tard sur les violences et abus de pouvoir à Hollywood. Le 19 octobre 2017, Lupita Nyong’o publiait ainsi dans le New York Times une tribune revenant sur plusieurs épisodes de harcèlement qu’elle imputait à Harvey Weinstein, ainsi que sur les conséquences professionnelles qu’elle associait à son refus1. Cette prise de parole s’inscrivait dans un moment où les accusations visant Weinstein avaient déjà été largement médiatisées, notamment après l’enquête du New York Times publiée le 5 octobre 20172.
Au fond, qu’il filme les banlieues résidentielles, les petites villes ou Hollywood, David Lynch met en scène une même logique : celle d’une Amérique qui se raconte comme un espace d’ordre, de réussite et de stabilité, mais dont les fondations reposent sur le déni, les rapports de domination et une violence plus diffuse qu’il n’y paraît. Son cinéma ne se contente pas de fissurer la façade. Il montre que cette façade fait déjà partie du problème.
- Lupita Nyong’o, témoignage publié dans le New York Times le 19 octobre 2017, résumé et contextualisé par TIME, qui rappelle qu’elle y décrit plusieurs épisodes de harcèlement attribués à Harvey Weinstein ainsi que leurs conséquences professionnelles. ↩︎
- L’enquête du New York Times sur Harvey Weinstein a été publiée le 5 octobre 2017. Son rôle déclencheur dans la médiatisation de l’affaire est rappelé notamment par HISTORY et The New Yorker. ↩︎
— Emma SAUNIER
Cet article a été publié suite à une contribution d’un·e rédacteur·rice invité·e.
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